影視視頻制作,企業(yè)宣傳片制作,公司宣傳片拍攝,天源文化傳播有限公司

　　攝影如何成為一門藝術(shù)關(guān)于攝影與藝術(shù)的話題，最初可追溯至1826年法國人尼瑟夫.尼埃普斯拍攝的《窗外景色》，他將攝影視作一種復攝影術(shù)的絕佳手段。1839年8月19日，攝影術(shù)正式誕生，法國社會科學院在介紹達蓋爾的這項發(fā)明時說道：“我們可以想象到這項發(fā)明將會給科學研究帶來多大的資源和便利，而對于輔助藝術(shù)創(chuàng)作而言，它的作用將超乎我們的預計。”可見攝影在當時并不是藝術(shù)，在當時的國際博覽會中，攝影通常是被作為科學或工業(yè)藝術(shù)展出的。攝影的這種尷尬身份在1860年奧林普.阿瓜杜伯爵的攝影作品《贊賞》中被表現(xiàn)出來，照片中的人們正在欣賞真正的藝術(shù)——油畫當時的攝影家自稱為藝術(shù)家并不斷為這一身份正名。英國的攝影家雷蘭德認為：如果攝影可以達到繪畫的效果，那么攝影當然就是藝術(shù)。他在1857年的作品《人生的兩種選擇》中作出了這一嘗試。19世紀80年代，英國威爾士的攝影家艾默生創(chuàng)作了一系列以沼澤地為主題的作品，他認為這種再現(xiàn)人類視角的作品當然是藝術(shù)品。但艾默生在其后1891年的一篇文章中又改變了想法，認為“盡管有些攝影作品的確能產(chǎn)生一定的美感，但由于攝影是通過機器而不是用手直接表達，所以攝影當然不能稱為藝術(shù)”在19世紀90年代的澳大利亞、英國、美國出現(xiàn)了畫意攝影，攝影家們通過污損底片等方法，使照片看起來像畫作從而證明攝影是一種藝術(shù)。比如法國攝影家雷.勒.貝格1902年的作品《裸體畫》以及美國攝影家弗蘭克.尤金1899年的作品《學習》有趣的是，當攝影家們極力使照片看起來像畫而不像照片時，藝術(shù)家們也在極力地使畫看起來不像照片。畢加索1905—1910年間的一系列漸趨抽象的女性繪畫作品，便可以清晰地看出他的創(chuàng)作趨勢與意圖。同時，20世紀早期的一些畫家也關(guān)注到了攝影。法國攝影家馬雷曾在19世紀80年代時做過人體運動學的連續(xù)攝影實驗，這一實驗啟發(fā)了意大利未來主義畫家賈科莫.巴拉，他在1912年時創(chuàng)作了一幅與此照片類似的作品——《陽臺上奔跑的女孩》，這幅畫帶有明顯的攝影風格。巧的是，杜尚在1912年也創(chuàng)作了一幅類似的作品《下樓梯的裸女》?？梢姅z影在向藝術(shù)靠攏的長期斗爭中，已經(jīng)影響到了藝術(shù)的創(chuàng)作與發(fā)展畫意攝影逐漸過時后，直接攝影成為主要思潮，它也是現(xiàn)代攝影的雛形。這種攝影的理念是對對象進行直接拍攝，而不采取特殊的技法。這一流派的著名攝影家是美國的斯特蘭德。到了20世紀20年代，戲劇影視美術(shù)設(shè)計專業(yè)入黨申請書，產(chǎn)生了一系列現(xiàn)代藝術(shù)風格的攝影作品，諸如布魯吉耶爾于20年代末拍攝的一系列“熱抽象”照片，德國攝影家漢娜.霍荷于1919年的達達主義攝影作品《用菜刀切割》，中央宣傳部關(guān)于巡視整改情況的通報。德國攝影家哈特菲爾德的《格林劊子手》等。同時，一些畫家、建筑家諸如曼雷、莫和利等人也開始利用照片進行試驗，創(chuàng)作現(xiàn)代主義作品。1929年紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館成立并對攝影作品產(chǎn)生了興趣。1937年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館的館員紐荷爾，同時也是一名攝影家，策劃了一個攝影歷史展，800多幅作品囊括藝術(shù)照片、天文影像、中國游客滯留成田機場日方有話說X光片、商業(yè)照片等。這個展覽在全美10個主要博物館展出，可以說這個展覽的目錄就是美國的第一本攝影史。1940年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館成立了攝影部。這是攝影向藝術(shù)靠攏的又一階段性勝利，攝影的藝術(shù)身份終于為博物館所承認20世紀50—60年代期間，藝術(shù)家們開始使用各種非藝術(shù)的物品創(chuàng)作藝術(shù)作品。例如勞申伯格1954年的作品《無題》，他認為藝術(shù)應該貼近生活，所以他將火雞、生活雜物及他的個人肖像作為素材。顯然，非藝術(shù)品的照片成為了絕佳的創(chuàng)作題材，在這個平面媒體大量充斥人們生活的時代里，照片隨處可見，如果藝術(shù)家想要表現(xiàn)生活，隨手取用照片就可以了。而20世紀60年代中期，還有許多藝術(shù)家利用照片進行創(chuàng)作，諸如沃霍爾、羅伯特.斯密森、魯西、布魯斯.諾曼、巴爾代薩里等。但照片在他們看來根本不是藝術(shù)，影視視頻制作只是隨處可取的東西，魯西甚至說：“誰拍了照片不重要，我甚至不把它看成是攝影，它們只不過是充實書本的圖片而已。”而巴爾代薩里在1967—1968年還拍攝了一組名為《錯誤》的照片，用一個人頭頂著樹的視覺錯位來嘲諷攝影術(shù)。由此可見攝影的地位十分低下。但同時，盡管還不是作為獨立的藝術(shù)品，而是作為這些著名藝術(shù)家的藝術(shù)作品中的一部分，照片卻第一次在畫廊中展出了20世紀70年代早期，藝術(shù)批評家們開始注意到了美術(shù)館中的大量照片，批評家說道：“一些照片不是攝影作品，它們是藝術(shù)。公司宣傳片拍攝”“圖片不應被看作是照片，而是思想的圖像化表達或是概念藝術(shù)。”1969年在紐約舉行了一個真正意義上的攝影展，此時高校里也開設(shè)了攝影課程；幾年后，蘇富比公司在倫敦舉行了第一場照片拍賣會；1974年，國際攝影中心在紐約成立；1975年，倫敦有6家美術(shù)館展覽照片。攝影的藝術(shù)身份開始被大多數(shù)人所承認。盡管人們承認的主要原因是圖片比畢加索、馬蒂斯的畫作更便宜的經(jīng)濟因素，但經(jīng)過了一百多年的努力，企業(yè)宣傳片制作攝影最終成為了藝術(shù)。